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Calligraphie japonaise

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Les différents styles de calligraphie japonaise

La calligraphie japonaise est un artisanat élégant et émotif qui est ancré dans une histoire et une culture riches. Tout le monde peut pratiquer et apprendre cette forme d'art unique, également connue sous le nom de calligraphie japonaise shodo, et elle s'exprime magnifiquement à travers une série de coups de pinceau. Shodo se traduit directement par « la façon d'écrire », et il faut des décennies pour vraiment maîtriser cette forme de calligraphie. Dans cet article, nous fournirons un bref historique de la calligraphie japonaise, identifierons les différents styles et discuterons des outils vous devez commencer!


L'histoire et les formes de la calligraphie japonaise

Au Japon, la calligraphie a été introduite vers 600 après JC et elle est connue sous le nom de Shodō, ou « la façon d'écrire ». Shodō a été inspiré par la calligraphie chinoise qui remonte au 28ème siècle avant JC. On pense que les créateurs de cette forme d'art sont Kuukai (un moine bouddhiste), l'Empereur Saga et Tachibana no Hayanari (un courtisan). Ensemble, ils ont pu créer un style de calligraphie unique appelé wayou ou style japonais.

Tout comme les enfants américains apprennent la cursive à l'école primaire, les enfants japonais apprennent également la calligraphie à l'école. Il existe trois styles distincts de calligraphie : le kaisho, le gyosho et le sousho.


Kaisho est un style pratique où chaque trait est fait très soigneusement et délibérément, de sorte que les lignes soient nettes et nettes. Vous pouvez comparer ce style de calligraphie japonaise à une police informatique. La plupart des enfants apprennent d'abord ce style, car les lettres sont similaires aux caractères de tous les jours. Apprendre le Kaisho les aidera à apprendre à utiliser le pinceau, également connu sous le nom de « fude ».


Le style suivant est le gyousho, une version semi-cursive de la calligraphie japonaise. Gyosho est mieux décrit comme un type d'écriture rapide. Imaginez que vous étiez pressé et que vous essayiez juste d'écrire quelque chose rapidement - c'est du gyosho ! Ce style a une sensation plus organique. Les traits sont plus arrondis que les traits stricts du kaisho et peuvent être lus facilement par la plupart des adultes japonais.


Le style final est connu sous le nom de sousho, qui est le style cursif de la calligraphie japonaise. En écrivant dans ce style, l'artiste déplacera rarement le pinceau du papier. Les courbes des personnages sont beaucoup plus arrondies que le style gyousho. Véritable forme d'art, ce style de calligraphie est écrit davantage pour l'esthétique que pour la fonctionnalité. Seuls ceux qui ont une formation spéciale pourront lire ce type de script.


L'histoire de Shodo

Comme vous pouvez l'imaginer, shodo a son origine en Chine, et il a été introduit pour la première fois au Japon au début du 5ème siècle. Avant l'introduction du shodō, on pensait souvent que le Japon était dépourvu de culture littéraire au Japon, car ils n'en avaient pas besoin.

Plus tard, après l'introduction du bouddhisme au Japon, le shodō a commencé à gagner en popularité. Au cours de cette période au Japon, les caractères chinois étaient largement utilisés pour copier les sutras bouddhistes, et par conséquent, les premières œuvres de shodō sont toutes liées au bouddhisme.

Shodō est devenu populaire, car le bouddhisme a été introduit au Japon et les gens ont utilisé des lettres pour copier les sutras bouddhistes ainsi les premières œuvres de shodō sont tous liés au bouddhisme. Le prince Shōtoku Taishi (574 - 622) a promu le bouddhisme et la pratique de la copie des sutras à la main dans le cadre de la méditation, connue en japonais sous le nom de tremblant, qui a étendu la pratique de la calligraphie encore plus loin. Tout au long de cette période, le style esthétique du shodō imitait de très près les styles de la calligraphie chinoise.

Ce n'est qu'à l'époque de Heian (794 - 1185) que le shodō a finalement commencé à s'écarter de la calligraphie chinoise, une séparation inspirée par des maîtres tels que Ono-no-Michikaze (894 - 966) et le moine bouddhiste Kukai (774 - 835). A cette époque, la calligraphie de style japonais a commencé à devenir plus cursive et arrondie, donnant naissance à des caractères japonais (kana), qui est finalement devenu le hiragana utilisé aujourd'hui.

La diffusion du bouddhisme zen pendant la période Kamakura (1185 à 1333) a donné naissance à une nouvelle forme de calligraphie connue sous le nom de bokuseki, qui comportait une forme libérale, des règles souples et un style sans retenue. Il semble très abstrait et plus émotionnel par rapport aux styles de calligraphie plus anciens. Lorsque le Japon s'est rouvert à l'Occident au milieu du XIXe siècle après une longue période d'isolement, la calligraphie a de nouveau subi des changements importants. Tout au long des années 1800 et 1900, les calligraphes ont commencé à considérer leur métier comme un art à travers lequel s'exprimer, de la même manière que la peinture occidentale.


O IL DEVIENT “ÉCRITURE”

Les brûlures de carapaces de tortue ci-dessus étaient la base et le fondement du système d'écriture chinois, mais ce n'est que sous la dynastie Zhou (après la précédente dynastie Shang brûlant des carapaces de tortue) que les choses ont commencé à devenir intéressantes. La dynastie Shang a disparu et la dynastie Zhou a trouvé toutes ces carapaces de tortues et était comme “dang, cela pourrait être une sorte de système d'écriture.” À partir de là, ils ont commencé à documenter les événements, les gens sympas, etc. en utilisant ces tortues. -caractères shell. Cependant, les scribes de cette dynastie n'ont jamais vraiment pris le temps d'étudier les originaux, alors ils ont commencé à inventer des choses. S'ils ne connaissaient pas un personnage, ils proposaient une approximation, ce qui a bien sûr conduit à la naissance de nombreux kanji (ainsi qu'à beaucoup d'incohérences dans l'écriture). Il y avait plusieurs royaumes et plusieurs façons d'écrire, et j'imagine que la lecture était une grande confusion puisque personne n'a suivi les originaux à 100%. Confucius s'en est même plaint apparemment, ce qui n'est pas si surprenant, car Confucius était un grand pleurnichard. Quelqu'un appelle la Whaambulance… Whaaa, whaaa.

Ce n'est que sous la dynastie Qin (qui date de 221 av. J.-C.) que la Chine était unie sous un seul royaume, et le système d'écriture était également unifié. Li Si (le Premier ministre) rédige un index de tous les caractères que les érudits doivent apprendre, qui contient 3 300 kanji différents. Cela signifie que tout le monde a finalement fait les kanji de la même manière, et Kanji est finalement devenu utile (et prêt à se rendre au Japon). Petite parenthèse : malheureusement, cette liste de 3 300 kanji ne dure pas. Les gens intelligents apprennent plus de 10 000 kanji en Chine et jusqu'à 8 000 kanji au Japon (où le kanji n'est, heureusement, pas utilisé dans absolument tout). Heureusement, vous pouvez vous en tirer très confortablement avec environ 2 000.


Trop souvent, nous voyons la calligraphie japonaise mal utilisée, et nous avons donc décidé d'offrir notre travail d'art gratuitement. Nous espérons que cette référence en ligne gratuite réduira le nombre de Shodō mal dessinés, ainsi que les traductions inexactes que nous voyons sur les tatouages, les affiches, les photos, les sites Web, etc. Internet est une ressource incroyable, mais de nombreuses personnes ont tendance à accepter ce qu'elles voient en ligne sans poser de questions, surtout lorsqu'elles ne connaissent pas le sujet. Une mauvaise traduction ou un mauvais dessin de Shodō ou de Kanji peut complètement déformer le sens de l'écriture et nuire à la nature de cette forme d'art saisissante. Nous voulons que tous ceux qui souhaitent utiliser la calligraphie japonaise sachent à quel point la vraie calligraphie japonaise peut être belle.

Vous pouvez faire confiance à notre site pour fournir des Shodō précis, car toutes nos œuvres sont dessinées par Eiko, un véritable maître Shodō japonais, certifié par "Nihon Shodō Kyokai (Japan Shodō Association)". Vous trouverez le travail délicat d'Eiko à la fois beau et sophistiqué. En fait, son Gago (pseudonyme) est "Suisen(水扇)" qui signifie "Fan of Water".

Veuillez vérifier souvent les mises à jour ici et sur notre page Facebook. Nous téléchargerons régulièrement de nouveaux dessins Shodō.


Là où tout commence (les tortues ont eu du mal)

Maintenant, ce n'est qu'une théorie (bien que les gens semblent l'aimer), mais il y a longtemps en Chine (nous parlons de 2000 avant JC, c'est il y a environ 4000 ans), les gens devaient poser des questions au ciel. Comment ont-ils posé des questions ? Pas en criant au ciel. Au lieu de cela, ils prenaient des carapaces de tortues ou des os d'animaux et les brûlaient.

Désormais, lorsqu'une carapace de tortue ou un os d'animal est brûlé, des fissures se forment. À partir de là, ils analysaient ces fissures et les écrivaient (c'est-à-dire les copiaient), en retirant un sens en comparant les fissures à des choses de la vie réelle (c'est-à-dire si les fissures ressemblaient à quelque chose, ils y attribuaient un sens) . En tuant beaucoup de tortues, vous pourriez savoir s'il allait pleuvoir, s'il y aurait une catastrophe, ou tout ce que vous voulez (bon sang, vous tirez un sens des carapaces de tortues brûlées ici).

Après un certain temps, étant donné que les scribes gardaient une trace de toutes ces carapaces de tortues et ossements d'animaux fêlés, ils commençaient à reproduire ces "symboles" sur des carapaces de tortues non brûlées. Je suppose qu'ils pensaient que les fissures brûlées étaient un message des dieux, et en les reproduisant et en les "renvoyant", ils pouvaient demander ce qu'ils voulaient (après avoir compris ce que les fissures signifiaient en premier lieu). C'est pourquoi il existe un bon nombre de carapaces de tortues avec des caractères chinois écrits dessus datant de cette époque. Pauvres tortues. Ici, vous pouvez jeter un œil à l'écriture en écaille de tortue et avoir une idée de son évolution au fil du temps :

Je suis presque sûr qu'ils ont mal interprété le symbole "Danse" pour "B51 Bomber larguant du poisson pour la grande gloire de la Chine".


L'histoire de la calligraphie japonaise et son âge d'or

La calligraphie japonaise que nous reconnaissons aujourd'hui a commencé sous l'empereur Saga. L'écriture a considérablement changé par rapport au style chinois. Il était utilisé pour la tenue des dossiers officiels et enseigné dans les écoles. Même lorsque le gouvernement japonais est devenu plus militariste, la calligraphie en tant que forme d'art a prospéré. A l'époque où le Japon s'isolait du reste du monde, la calligraphie s'est développée sans influences extérieures. Une fois le pays rouvert, la calligraphie japonaise s'est fait connaître dans le monde entier.

Aujourd'hui, la calligraphie se porte toujours bien. Les écoles élémentaires enseignent les bases et les élèves peuvent choisir de continuer à l'étudier en vieillissant, de sorte que l'art perdurera pour les générations à venir. Vous pouvez trouver d'innombrables tutoriels et livres en ligne, si cette pratique ancienne vous intéresse.

bureau de calligraphie japonaise


L'histoire de Shodo

La langue japonaise utilise trois scripts : kanji, hiragana, et katakana.
Kanji sont des caractères chinois, introduits au Japon aux côtés du bouddhisme vers le 5ème siècle de notre ère. Le japonais n'avait pas de forme écrite à l'époque, le chinois était donc utilisé pour la communication écrite et les textes religieux. Au milieu du VIIe siècle, man'yogana, un système d'écriture qui utilisait des caractères chinois pour représenter les sons japonais, a été utilisé. C'est de cette période que subsistent les plus anciennes œuvres de calligraphie japonaise, dont beaucoup utilisent encore le chinois.
De man'yogana sont venus les deux autres scripts du Japon. Hiragana évolué à partir du style fluide et cursif utilisé par les femmes de la cour impériale, tandis que katakana ont été développés par des moines bouddhistes comme moyen d'abréger des caractères chinois complexes tout en copiant des textes religieux.
La calligraphie de style chinois a connu son apogée pendant la période Heian, de 794 à 1185. Au début du IXe siècle, le moine Kukai, l'empereur Saga et Tachibana no Hayanari étaient appelés les Sanpitsu, ou «trois pinceaux», et étaient considérés comme les meilleurs calligraphes de l'époque.
Au 10ème siècle, un autre trio, Ono no Michikaze, Fujiwara no Yukinari et Fujiwara no Sukemasa a établi les fondations de kana calligraphie. Ils étaient connus sous le nom de Sanseki, les «trois traces», et sont considérés comme les fondateurs du style wayo japonais distinct des imitations chinoises.
De ces fondations classiques, shodo n'a cessé de se développer jusqu'à nos jours.


Caractéristiques générales

L'étude de l'art japonais a souvent été compliquée par les définitions et les attentes établies à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, lorsque le Japon s'est ouvert à l'Occident. L'occasion d'une interaction considérablement accrue avec d'autres cultures semblait nécessiter un résumé pratique des principes esthétiques japonais, et les historiens de l'art et les archéologues japonais ont commencé à construire des méthodologies pour catégoriser et évaluer un vaste ensemble de matériaux allant de la poterie néolithique aux gravures sur bois. Formulées en partie à partir d'évaluations savantes contemporaines et en partie à partir de synthèses de généralistes enthousiastes, ces théories sur les caractéristiques de la culture japonaise et, plus précisément, de l'art japonais portaient sans surprise les préjugés et les goûts de l'époque. Il y avait, par exemple, une tendance à faire de l'art de cour de la période Heian (794-1185) le sommet de la réussite artistique japonaise. La préférence esthétique pour le raffinement, pour des images subtilement imprégnées de sens métaphorique, reflétait les mœurs de cour sublimement nuancées qui ne permettaient qu'une référence indirecte à l'émotion et valorisaient la suggestion plutôt que la déclaration audacieuse. Parallèlement à la canonisation de l'esthétique de la cour de Heian, il y avait l'idée que les sensibilités esthétiques entourant la cérémonie du thé étaient typiquement japonaises. Ce rituel communautaire, développé au XVIe siècle, mettait l'accent sur la juxtaposition hyperconsciente d'objets trouvés et finement travaillés dans un exercice destiné à conduire à de subtiles épiphanies de perspicacité. Il a en outre souligné le rôle central de l'indirection et de la sous-estimation dans l'esthétique visuelle japonaise.

L'un des prosélytes les plus importants de la culture japonaise en Occident était Okakura Kakuzō. En tant que conservateur de l'art japonais au Boston Museum of Fine Arts, il a exposé les mystères de l'art et de la culture asiatiques aux brahmanes de Boston. En tant qu'auteur d'ouvrages tels que Les idéaux de l'Est (1903), Le réveil du Japon (1904), et Le livre du thé (1906), il touche un public encore plus large avide de trouver un antidote au cliquetis d'acier et aux cheminées éructantes de la modernité occidentale. Le Japon – et, au sens large, l'Asie – était perçu comme une source potentielle de renouveau spirituel pour l'Occident. Il y avait un contrepoint ironique aux leçons d'Okakura lorsqu'une marine japonaise tout à fait moderne a réduit en miettes la fière flotte russe traversant le détroit de Tsushima au moment culminant de la guerre russo-japonaise (1904-1905). Ce Japon étonnamment belliqueux était clairement plus que du thé et du gossamer, et il semblait qu'une définition trop sélective des arts et de la culture japonaise aurait peut-être exclu des allusions utiles à la violence, à la passion et à des souches d'hétérodoxie profondément influentes.

À l'aube du XXIe siècle, les impressions superficielles du Japon nourrissaient encore une image schizophrénique lancinante combinant les caractéristiques polaires du raffinement élégant et des prouesses économiques. Les pièges de la simplification excessive ont été notés ci-dessus, cependant, et un siècle d'érudition, à la fois japonaise et occidentale, a fourni de nombreuses preuves d'un héritage d'expression visuelle aussi complexe et varié que la culture plus large qui l'a produit. Néanmoins, au sein de la diversité, des modèles et des inclinations discernables peuvent être reconnus et caractérisés comme japonais.

La plupart des œuvres d'art japonaises portent la marque d'interactions ou de réactions étendues avec des forces extérieures. Le bouddhisme, qui est né en Inde et s'est développé dans toute l'Asie, était le véhicule d'influence le plus persistant. Il a fourni au Japon une iconographie déjà bien établie et a également offert des perspectives sur la relation entre les arts visuels et le développement spirituel. Des afflux notables de bouddhisme en provenance de Corée se sont produits aux VIe et VIIe siècles. Le style international chinois Tang était le point central du développement artistique japonais au 8ème siècle, tandis que les iconographies du bouddhisme ésotérique chinois étaient très influentes à partir du 9ème siècle. Les immigrations majeures de moines bouddhistes chinois Chan (japonais : zen) aux XIIIe et XIVe siècles et, dans une moindre mesure, au XVIIe siècle ont laissé des traces indélébiles sur la culture visuelle japonaise. Ces périodes d'impact et d'assimilation ont apporté non seulement une iconographie religieuse, mais aussi des éléments vastes et en grande partie non digérés de la culture chinoise. Des structures entières d'expression culturelle, allant d'un système d'écriture aux structures politiques, ont été présentées aux Japonais.

Diverses théories ont ainsi été avancées qui décrivent le développement de la culture japonaise et, en particulier, de la culture visuelle comme un modèle cyclique d'assimilation, d'adaptation et de réaction. La caractéristique réactive est parfois utilisée pour décrire des périodes au cours desquelles les caractéristiques les plus manifestement uniques et indigènes de l'art japonais s'épanouissent. Par exemple, au cours des Xe et XIe siècles de la période Heian, lorsque, pour des raisons politiques, les contacts étendus avec la Chine ont cessé, il y a eu une consolidation et un développement important de styles de peinture et d'écriture japonais distinctifs. De même, la vaste influence de l'esthétique zen chinoise qui a marqué la culture de la période Muromachi (1338-1573) - caractérisée par le goût pour la peinture monochrome à l'encre - a été éclipsée à l'aube de la période Tokugawa (1603-1867) par un genre audacieusement coloré. et la peinture décorative qui célébrait l'épanouissement de la culture autochtone de la nouvelle nation unie. La notion d'assimilation cyclique puis d'affirmation d'indépendance demande cependant de larges nuances. Il faut reconnaître que, s'il y a eu des périodes où les formes d'art continentales ou indigènes étaient dominantes, les deux formes coexistaient généralement.

Une autre caractéristique omniprésente de l'art japonais est la compréhension du monde naturel en tant que source de perspicacité spirituelle et miroir instructif de l'émotion humaine. Une sensibilité religieuse indigène qui a longtemps précédé le bouddhisme a perçu qu'un royaume spirituel était manifeste dans la nature (voir shintoïste). Les affleurements rocheux, les cascades et les vieux arbres noueux étaient considérés comme les demeures des esprits et étaient compris comme leur personnification. Ce système de croyances a doté une grande partie de la nature de qualités numineuses. Il a nourri, à son tour, un sentiment de proximité et d'intimité avec le monde des esprits ainsi qu'une confiance dans la bienveillance générale de la nature. Le cycle des saisons était profondément instructif et révélait, par exemple, que l'immutabilité et la perfection transcendante n'étaient pas des normes naturelles. Tout était compris comme soumis à un cycle de naissance, de fructification, de mort et de décadence. Les notions bouddhistes importées de fugacité ont ainsi été fusionnées avec la tendance indigène à rechercher des instructions dans la nature.

La proximité attentive à la nature a développé et renforcé une esthétique qui évitait généralement l'artifice. Dans la production d'œuvres d'art, les qualités naturelles des matériaux constitutifs ont reçu une importance particulière et comprises comme faisant partie intégrante de la signification totale qu'une œuvre professait. Lorsque, par exemple, la sculpture bouddhiste japonaise du IXe siècle est passée des modèles Tang en stuc ou en bronze et s'est tournée pour un temps vers des bois naturels non polychromes, des formes iconographiques déjà anciennes se sont mêlées à un respect préexistant et à plusieurs niveaux pour le bois.

L'union avec le naturel était également un élément de l'architecture japonaise. L'architecture semblait se conformer à la nature. La symétrie des plans des temples de style chinois a cédé la place à des dispositions asymétriques qui ont suivi les contours spécifiques de la topographie vallonnée et montagneuse. Les frontières existant entre les structures et le monde naturel étaient volontairement obscures. Des éléments tels que de longues vérandas et de multiples panneaux coulissants offraient des vues constantes sur la nature, même si la nature était souvent soigneusement agencée et fabriquée plutôt que sauvage et réelle.

L'œuvre d'art ou d'architecture parfaitement formée, inaltérée et vierge, était finalement considérée comme distante, froide et même grotesque. Cette sensibilité était également apparente dans les tendances de l'iconographie religieuse japonaise. La cosmologie sacrée hiérarchique ordonnée du monde bouddhiste généralement héritée de la Chine portait les caractéristiques du système judiciaire impérial terrestre de la Chine. Alors que certaines de ces caractéristiques ont été conservées dans l'adaptation japonaise, il y avait aussi une tendance simultanée et irrépressible à créer des divinités facilement accessibles. Cela signifiait généralement l'élévation de divinités auxiliaires telles que Jizō Bosatsu (sanskrit : Kshitigarbha bodhisattva) ou Kannon Bosatsu (Avalokiteshvara) à des niveaux de dévotion accrue au culte. La compassion inhérente aux divinités suprêmes s'exprimait à travers ces figures et leur iconographie.

L'interaction du monde spirituel et naturel a également été délicieusement exprimée dans les nombreuses peintures de rouleaux narratives produites à l'époque médiévale. Les histoires de fondations de temples et les biographies de saints fondateurs regorgeaient d'épisodes décrivant à la fois des forces célestes et démoniaques parcourant la terre et interagissant avec la population à l'échelle humaine. Il y avait une tendance marquée vers la domestication confortable du surnaturel. La distinction nette entre le bien et le mal a été doucement réduite, et les êtres d'un autre monde ont adopté les caractéristiques de l'ambiguïté humaine qui leur ont accordé un niveau d'accessibilité, altérant prosaïquement le parfait de l'un ou l'autre extrême.

De manière encore plus évidente, des œuvres décoratives telles que les émaux de surglaçage polychromes brillants populaires du 17ème siècle ont sélectionné la prépondérance de leur imagerie de surface du monde naturel. Les motifs répétés trouvés sur les surfaces des textiles, de la céramique et des laques sont généralement des abstractions soigneusement travaillées de formes naturelles telles que des vagues ou des aiguilles de pin. Dans de nombreux cas, le motif, comme une sorte d'indice ou de suggestion de sous-structure moléculaire, est préféré au réalisme soigneusement rendu.

Le monde quotidien de l'activité humaine a été soigneusement observé par les artistes japonais. Par exemple, la figure humaine dans une multiplicité de poses banales a été enregistrée de manière mémorable par l'artiste d'impression Hokusai (1760-1849). L'excentricité et l'humour ont rarement échappé à la vue des nombreux créateurs anonymes de rouleaux à la main médiévaux ou de peintures d'écran de genre du XVIIe siècle. Le sang et le sang, que ce soit au combat ou dans le chaos criminel, ont été vigoureusement enregistrés comme des aspects indéniables de l'humain. De même, le sensuel et l'érotique ont été rendus de manière délicieuse et non censurée. Le respect et la curiosité pour la nature s'étendaient de la botanique à toutes les dimensions de l'activité humaine.

En résumé, l'éventail des arts visuels japonais est vaste et certains éléments semblent véritablement antithétiques. Un manuscrit de sutra enluminé du XIIe siècle et une scène macabre de seppuku (éventration rituelle) rendu par l'artiste d'impression du XIXe siècle Tsukioka Yoshitoshi ne peut être contraint à une esthétique commune que de la manière la plus artificielle. Il est donc conseillé au spectateur de s'attendre à une diversité surprenante. Pourtant, au sein de cette diversité d'expressions, certains éléments caractéristiques semblent récurrents : un art agressivement assimilateur, un profond respect de la nature comme modèle, une préférence marquée pour le plaisir par rapport à l'affirmation dogmatique dans la description des phénomènes, une tendance à donner la compassion et l'échelle humaine à l'iconographie religieuse, et une affection pour les matériaux en tant que véhicules importants de sens.


Voir la vidéo: Julien Chazal Calligraphie Eluard (Juillet 2022).


Commentaires:

  1. Mackenzie

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