Podcasts sur l'histoire

Femme en terre cuite de Khotan aux cheveux longs

Femme en terre cuite de Khotan aux cheveux longs


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Histoire des foulards - Notre guide complet

Symbole de féminité, le foulard est l'accessoire de mode chic par excellence, empreint de raffinement et d'élégance. En tant que vêtement porté à des fins pratiques, une écharpe peut fournir au porteur de la chaleur ou le garder au frais. L'écharpe se présente sous de nombreuses formes démontrant son omniprésence et sa capacité à se fondre dans les garde-robes de toutes les femmes au cours des dernières décennies.

Les origines

Les origines de l'écharpe remontent à l'Égypte ancienne, précisément à la reine Néfertiti, qui aurait porté une écharpe tissée enveloppée sous une coiffe ornée de bijoux extravagants. Alors que les foulards sont le plus souvent associés à la garde-robe féminine de nos jours, ils sont portés par les hommes et les femmes depuis de nombreux siècles. Dans la Rome antique, les hommes les portaient comme des « vêtements de transpiration » utilisés pour garder la sueur fraîche et sèche.

En Extrême-Orient, les écharpes étaient portées par les militaires pour montrer leur rang. Des écharpes aux nombreux motifs, portées de diverses manières, peuvent être vues sur les soldats de l'armée en terre cuite, qui ont été enterrés plus de 200 ans avant JC. On raconte même qu'à son retour d'Egypte, Napoléon Bonaparte offrit à sa femme Joséphine be Beauharnais une écharpe pashmina. Alors qu'elle était cynique au début à propos de ce cadeau exotique, elle aurait collecté plus de 400 écharpes au cours des 3 années suivantes, pour un total d'environ 80 000 £.

Il est facile de croire que l'écharpe a été un succès du jour au lendemain, mais l'évolution de l'écharpe d'un simple accessoire pratique à un article incontournable à la mode ne s'est certainement pas produite du jour au lendemain.

Châles en Cachemire

Les châles en cachemire sont devenus la quintessence de la haute couture au XIXe siècle. Le célèbre motif Paisley a été créé à cette époque car c'était la première ville à fabriquer des châles en cachemire « Paisley » similaires à ceux rapportés par Bonaparte.

La ville comptait 7 000 tisserands et les châles étaient si populaires que même la reine Victoria en a acheté un en 1842. Dans la seconde moitié du siècle, la popularité des châles a décliné à mesure que de nouvelles tendances émergent. Les garde-robes féminines se sont développées de sorte qu'il est devenu de plus en plus peu pratique de porter un châle drapé sur ses épaules.

Service de guerre

Pendant la Première Guerre mondiale, le tricot est devenu plus qu'un simple passe-temps pour les femmes, les enfants et même les hommes du monde entier. C'était considéré comme un devoir de guerre patriotique. Des tonnes de chaussettes, de pulls et d'écharpes ont été produites pour être envoyées aux militaires afin de les garder au chaud et au sec en temps de guerre.

Alors que le tricot est aujourd'hui souvent considéré comme un passe-temps à l'ancienne, le tricot a sauvé la vie de nombreux militaires pendant la guerre. Les articles tricotés étaient produits à la tonne et expédiés aux troupes qui luttaient contre des conditions difficiles, humides et froides non seulement dans les tranchées, mais aussi dans les airs.

En plus des écharpes tricotées, les pilotes portaient également des écharpes en soie blanche lorsqu'ils volaient, car le tissu doux et souple protégeait des irritations du cou. Pendant la Première Guerre mondiale, la soie a joué un rôle très important dans les opérations militaires. Des sacs en soie étaient utilisés pour transporter des charges de poudre à canon pour les armes, car la soie ne laissait aucun résidu lorsqu'elle était brûlée. Après la guerre, ce surplus de soie a été transformé en vêtements, foulards et meubles.

L'émergence des foulards comme accessoires

Avec l'émergence de la soie en occident, les méthodes de fabrication s'améliorent et de nombreuses marques de vêtements commencent à produire des accessoires en soie. Liberty Of London a commencé à produire des foulards en soie légers qui sont devenus extrêmement populaires pendant les années d'après-guerre. Leurs imprimés énergiques ont fourni un tonique bien nécessaire à la morosité qui régnait sur le front intérieur dans les premières années d'après-guerre.

De même, en 1937, la maison de couture française Hermès a commencé à importer de la soie chinoise pour être tissée dans de luxueux foulards carrés. La soie brute importée de Chine était particulièrement résistante et plus durable. Les conceptions reflètent l'arrière-plan équestre qui était profondément enraciné dans l'histoire d'Hermès et ces conceptions s'avèrent toujours les plus populaires de nos jours. Les touches classiques d'Hermès qui sont devenues synonymes de la marque telles que les bords roulés à la main, les détails peints à la main et ses 90 cm x 90 cm ont toutes été établies à ce stade précoce.

Développement de synthétiques

Les foulards en soie, de temps en temps, sont un luxe et peuvent être inabordables pour de nombreuses femmes. Avec l'invention de la rayonne dans les années 1930, également connue sous le nom de viscose, cette fibre glissante était un matériau semi-synthétique appelé «soie artificielle». Il pourrait imiter toutes les propriétés de la soie, mais c'était une fraction du prix.

La tendance du foulard a continué à exploser car elle a permis à de plus en plus de femmes de s'habiller à la dernière mode. Cependant, avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, les armoires devaient devenir avant tout pratiques et sensées. De nombreuses femmes ont été enrôlées pour occuper des emplois qui étaient habituellement occupés par des hommes. Du travail dans des usines de fabrication d'armes au pilotage d'avions militaires, les exigences du «travail de guerre» sont passées en premier.

Les problèmes de sécurité dans les usines signifiaient que les femmes utilisant des machines devaient s'assurer que tous les cheveux longs étaient clairement balayés. Cela signifiait que les femmes portaient le foulard par nécessité plutôt que par accessoire. En raison du rationnement des vêtements tout au long de la Seconde Guerre mondiale, la palette de couleurs est devenue terne et maussade car les matériaux se limitaient au coton et au lin, qui étaient moins chers et plus accessibles.

Les foulards comme outil de propagande

Malgré les contraintes de la guerre, la célèbre marque de foulards britannique Jacqmar of London a continué à produire des foulards avec des thèmes de propagande imaginatifs de 1940 à 1945. Jacqmar a commencé à fournir de la soie aux maisons de couture du monde entier, mais a rapidement remarqué que de nombreuses coupes étaient produites et, par conséquent, ils ont commencé à produire des foulards en soie, qui sont devenus extrêmement populaires au cours de la guerre. Les fournitures de tissus étaient souvent limitées pendant cette période, donc Jacqmar utilisait des chutes de soie de parachute ainsi que de rayonne et de lin.

La conception des foulards s'articulait autour de 3 thèmes centraux : l'armée, les forces alliées et le front intérieur. Ceux-ci étaient particulièrement populaires parmi les jeunes amoureux et sont aujourd'hui devenus des objets de collection précieux. Même le British Museum de Londres possède plusieurs rares foulards Jacqmar dans sa collection de costumes de guerre. Dans la période d'après-guerre, les dessins célébraient la victoire, comme on peut l'imaginer, puis progressaient vers des motifs plus génériques tels que les motifs floraux et géométriques.

Foulards d'après-guerre

Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, le monde avait soif de couleurs plus vives et plus vives dans leurs garde-robes. Les foulards à motifs ont attiré un large public à cette époque. De 1946 à 1955, entreprise textile, Ascher a commandé des dessins à des artistes de premier plan du monde entier. Henri Matisse, Pablo Picasso et Henry Moore faisaient partie des 42 artistes de renommée mondiale qui ont contribué aux « Places des artistes » d'Ascher. Le projet a non seulement uni la communauté artistique d'après-guerre, mais a également épousé les idéaux de l'art et de la mode, rendant les beaux-arts plus accessibles au plus grand nombre.

Les foulards en soie comme accessoire glamour

En tant que forme d'expression de soi, le foulard en soie est rapidement revenu à la mode, le matériau permettant d'imprimer des motifs lumineux et des détails vifs et nets. Hermès a gagné en popularité avec Audrey Hepburn et Grace Kelly portant des foulards dans des films ou défilant leurs foulards Hermès chics à travers New York et Monaco.

Les foulards en soie ont gagné en notoriété et sont rapidement devenus un symbole de glamour, de pouvoir et d'indépendance. Dans les mots d'Audrey Hepburn ci-dessous : « Quand je porte un foulard en soie, je ne me sens jamais aussi clairement comme une femme, une belle femme. »

Alors qu'Audrey aimait porter ses foulards soigneusement noués autour de son cou, Brigitte Bardot a transformé son foulard en un bandeau tendance. Grace Kelly portait un foulard en soie Hermès sur la couverture du magazine LIFE en 1956, mais elle a de nouveau fait la une des journaux lorsqu'elle a porté un foulard Hermès en écharpe plus tard dans la même année. Même la reine Elizabeth II était blasonnée sur un timbre-poste portant un foulard Hermès.

Les créations de l'époque étaient légères et capturaient un esprit optimiste, ce qui signifiait que les femmes pouvaient jouer non seulement avec leurs écharpes, mais aussi avec l'ensemble de leurs choix de tenues. Non seulement le foulard était « l'accessoire » parmi les riches et les célébrités, mais il leur donnait également de l'intimité. Lorsqu'il est coiffé des grandes lunettes de soleil des années 60, le couple a agi comme un voile pour ceux qui s'efforçaient de garder un niveau d'anonymat.

Au cours de cette décennie, il n'y avait pas que l'élite à la mode qui achetait les luxueux foulards en soie. Le célèbre restaurant new-yorkais « 21 Club » souvent simplement « 21 », est fréquenté par des célébrités depuis les années 30. Les invités notables incluent Elizabeth Taylor, John F Kennedy et Ernest Hemingway pour n'en nommer que quelques-uns. Il est très probablement reconnu par les 21 sculptures de jockey qui figurent sur la façade du restaurant.

Chaque Noël, les propriétaires offraient une écharpe personnalisée à leurs clients réguliers. Ces conceptions changeaient chaque année, cependant, le thème central était toujours l'équitation et les jockeys. Ceux-ci sont maintenant devenus emblématiques en termes de souvenirs d'écharpe car les designs étaient si rares et très recherchés.

Les foulards comme accessoire de luxe

De nombreuses maisons de couture ont également transféré leur style signature sur des foulards pour encapsuler la sensation de la marque. Le célèbre carreaux tartan de Burberry pourrait être porté par les femmes du monde entier sur une écharpe coûtant moins d'un cinquième du prix d'un trench-coat beige Burberry. Cela a donné aux marques de mode de luxe une présence mondiale dominante, mais plus important encore, cela a donné aux femmes la possibilité de montrer leurs achats de créateurs.

Les designs des années 80 étaient audacieux et confiants. Chanel a utilisé des chaînes audacieuses pour imiter les poignées de chaîne de leurs sacs à main et a placé de grands logos CC imbriqués sur leurs foulards. Ces conceptions mémorables ont capturé les distinctions d'une marque à l'autre et ont permis aux femmes de s'identifier fermement à l'esthétique de certaines marques plutôt qu'à d'autres.

Une baisse de popularité dans les années 90

Avec l'approche des années 90 et l'essor de la fabrication et de la main-d'œuvre bon marché, de nombreuses alternatives à la soie ont gagné en popularité. Des motifs vifs et brillants pourraient tout aussi bien être imprimés sur ces matériaux et avec des colorants moins coûteux également. La soie étant une pratique particulièrement exigeante en main-d'œuvre, les agriculteurs ont été déçus par le produit lorsque la demande a chuté.

Les foulards en soie sont tombés en disgrâce dans les années 90 et les gens ont afflué pour acheter des accessoires innovants et frappants. Cet accessoire élégant et stylé n'était plus l'élément incontournable de la garde-robe féminine et a rapidement disparu des projecteurs.

Redécouvrir et réinventer les conceptions classiques

Cependant, la technologie et les transports ont explosé au cours de cette décennie, rendant les déplacements plus faciles et beaucoup plus accessibles à la majorité de la population. Au fur et à mesure que le monde s'ouvrait, l'industrie de la mode s'est également ouverte. Les créateurs se sont inspirés du monde entier et ont redécouvert les trésors du passé.

Les châles en pashmina qui n'étaient portés que par les femmes les plus riches et les plus connectées ont été repensés et transformés en nécessités du mode de vie quotidien de la femme de l'ère moderne. Redécouvrir les qualités sensuelles de la laine de cachemire signifiait que ces écharpes étaient admirées pour leur confort et leur praticité plutôt que pour leur design.

Écharpes en cachemire

Les écharpes et pashminas en cachemire ont gagné en popularité, car ils étaient indéniablement doux, chauds et luxueux. Ils étaient considérés comme exotiques et rares car le cachemire était tissé à partir de chèvres Cachemire qui habitent les régions montagneuses du Cachemire, en Inde. Leur exclusivité a attiré un large public attiré par sa texture fine et duveteuse.

En fait, le nom « Pashmina » se traduit par « Soft Gold » dans la langue cachemirienne. Traditionnellement, les chèvres sont élevées par des tribus nomades habitant des régions à très haute altitude où les températures chutent à -40 °C en hiver. Pour cette raison, la chèvre Cachemire développe un sous-poil épais pour la garder au chaud. À mesure que les températures montent au printemps, ce manteau tombe et c'est là que la laine utilisée pour fabriquer les pashminas est collectée.

De nombreuses écharpes sont vendues comme pashmina sur les marchés touristiques du monde entier, mais il existe une astuce simple pour vérifier si l'écharpe est faite de vraie laine de pashmina. Si l'ensemble de l'écharpe peut passer dans un anneau d'un diamètre de 1,3 cm alors vous pouvez être sûr qu'il s'agit d'un véritable pashmina.

Ces écharpes sont devenues populaires dans les années 90 car elles pouvaient être portées comme un châle enroulé autour des épaules. Au fur et à mesure que la mode devenait plus audacieuse, de nombreux styles de vêtements sont devenus sans manches ou sans bretelles. Les châles permettaient aux femmes de porter ces styles tendance mais également de protéger leur pudeur en couvrant les bras et la poitrine nus.

Adapter les styles à la vie moderne

Plus récemment, nous avons assisté à une évolution vers d'autres utilisations des foulards, de nouveaux styles exigent des accessoires qui s'adaptent à nos vies trépidantes. Ces articles doivent être flexibles et suivre les demandes en constante évolution de l'industrie de la mode.

Hermès a réinventé l'écharpe avec son écharpe Hermès « Twilly », une longue écharpe en forme de ruban qui porte le nom du motif de tissage « sergé » utilisé pour créer son fantastique drapé. Ils ont l'air chic lorsqu'ils sont enroulés autour des poignées d'un sac à main, donnant une touche de personnalité tout en protégeant le sac. Ces écharpes peuvent également être enroulées autour des poignets pour créer des bracelets élégants et remarquables.

Comme le Twilly est petit, il peut être utilisé comme bandeau ou comme ruban noué autour d'un chapeau. Il peut également être utilisé comme une cravate pour les cheveux ou tressé en tresses pour ajouter des notes de couleur et de motif aux cheveux. Plus récemment, on a vu ces foulards utilisés comme ceintures soit seuls, soit enroulés autour d'une ceinture puis attachés autour de la taille.

Les multiples façons dont le foulard « Twilly » peut s'intégrer dans la garde-robe de la femme moderne en ont fait l'une des créations les plus réussies d'Hermès. L'écharpe Twilly est une mise à jour vraiment moderne de l'écharpe en soie par ailleurs classique.

Tendances récentes

Si nous examinons les tendances récentes des podiums, nous pouvons voir de nombreux clins d'œil au look intemporel du foulard en soie ainsi que de nouveaux styles rafraîchissants. Stella McCartney a envoyé des mannequins sur son défilé automne-hiver 2017 avec des foulards rappelant la reine lors de ses voyages à la campagne écossaise.

Prada a opté pour des écharpes en grosses mailles étroitement enveloppées comme un tour de cou pour contraster avec des vêtements élégants et ajustés. De plus en plus, nous voyons des défilés remplis de bandanas et de bandeaux en soie qui respirent le glamour et la substance, mais qui restent accessibles aux générations plus âgées et plus jeunes.

Les turbans ont toujours existé uniquement dans le vêtement religieux pendant de nombreux siècles en tant que symbole de respect et de statut social parmi les hommes. Cependant, depuis que Prada a défilé des turbans brillants aux couleurs de l'arc-en-ciel sur la piste en 2007, il est désormais naturel pour de nombreuses femmes d'enrouler un foulard en soie autour de leurs cheveux, puis de les envelopper dans un turban.

Dernières pensées

Il est peu probable que notre histoire d'amour avec les écharpes se termine de si tôt. Nous sommes enchantés par leurs multitudes de formes et les possibilités semblent infinies en matière de motifs et d'imprimés. D'un motif floral fleuri à un pashmina tissé indulgent, ils se transforment à chaque saison et notre relation avec ces écharpes se développe car en plus d'être un accessoire de mode très apprécié, ils offrent également confort, protection et modestie. Que l'on porte un foulard à la mode comme une déclaration de mode ou comme une ceinture, une cravate ou un accessoire de sac à main, il restera à jamais dans la garde-robe de chaque femme.


La beauté et l'horreur de Méduse, symbole durable du pouvoir des femmes

Embout de poteau de char avec la tête de Méduse (détail) (Romain, Impérial, 1er-2e siècle de notre ère), bronze, argent et cuivre, hauteur : 7 1/4 pouces, largeur : 7 pouces diamètre : 4 1/4 pouces ( avec l'aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art, New York Rogers Fund, 1918)

Les premières représentations de Méduse montrent une créature grotesque mi-humaine, mi-animale avec des ailes et des défenses de sanglier. Au cinquième siècle avant notre ère, cette figure du mythe grec a commencé à se transformer en une séductrice séduisante, façonnée par l'idéalisation du corps dans l'art grec. Ses cheveux tordus de serpents sont devenus des boucles sauvages, avec peut-être quelques serpents sous son menton pour faire allusion à ses origines plus bestiales.

Aujourd'hui Méduse, avec ses cheveux de serpent et son regard qui transforme les gens en pierre, demeure une figure allégorique d'une beauté fatale, ou une image prête à superposer le visage d'une femme détestée au pouvoir. Le plus souvent, elle est représentée simplement comme une tête coupée – un visuel qui a même son propre nom, le Gorgoneion – sculpté, peint ou sculpté tenu en l'air par son tueur Persée.

Jambière en bronze (protège-tibia) pour la jambe gauche avec tête de Méduse (grec, 4e siècle avant notre ère), bronze, largeur : 4 7/8 pouces longueur : 15 3/4 pouces (avec la permission du Metropolitan Museum of Art, Don de M. et Mme (Jonathan P. Rosen, 1991)

Beauté dangereuse : Méduse dans l'art classique maintenant au Metropolitan Museum of Art s'appuie sur une soixantaine d'œuvres des collections du musée de Manhattan pour explorer la transformation de Méduse et d'autres créatures hybrides féminines classiques, des sphinx aux sirènes en passant par Scylla, une créature marine mangeuse de marins avec douze pattes et six cous qui fait une apparition dans Homère Odyssée. Sur un support en terre cuite de 570 avant notre ère, Medusa est comiquement hideuse et entièrement barbue, tirant la langue entre deux défenses. Pendant ce temps, une rotation de la mode Versace des années 1990 présente Medusa comme un logo de luxe moderne.

« Medusa, en effet, est devenue l'archétype de la femme fatale : un amalgame de féminité, de désir érotique, de violence et de mort », écrit Kiki Karoglou, conservatrice associée au Département d'art grec et romain du Met et organisatrice de Beauté fatale, dans un numéro du Met’s Quarterly Bulletin sur le spectacle. "La beauté, comme la monstruosité, les captivants, et la beauté féminine en particulier était perçue - et, dans une certaine mesure, est toujours perçue - comme à la fois enchanteresse et dangereuse, voire fatale."

L'histoire de Méduse a changé au fil du temps avec son visage. Dans la mythologie grecque, elle est l'une des sœurs Gorgon (dérivé du grec gorgós pour "effroyable"), et Persée utilise un bouclier de bronze réfléchissant pour la vaincre. Il utilise alors sa tête et son éclat de pierre comme une arme, un outil qu'il donne par la suite à la déesse Athéna qui le porte sur son armure. Dans une version ultérieure, racontée par le poète romain Ovide, Méduse est une belle femme humaine, qui est transformée en monstre par Athéna en guise de punition après avoir été violée par Poséidon (malheur aux femmes mortelles dans la mythologie). Un conteneur pélike à figures rouges de 450-440 avant notre ère est l'une des premières représentations de Méduse en tant que jeune fille innocente, avec Persée rampant sur la Gorgone endormie. La période classique de l'art grec - de 480 à 323 av.

Vue d'installation de Beauté dangereuse : Méduse dans l'art classique au Metropolitan Museum of Art (photo de l'auteur pour Hyperallergic)

Pelike en terre cuite (pot) avec Persée décapitant la Méduse endormie, attribué à Polygnotos (grec, 450-440 avant notre ère), terre cuite, hauteur : 18 13/16 pouces, diamètre : 13 1/2 pouces (avec la permission du Metropolitan Museum of Art, Rogers Fonds, 1945)

Madeleine Glennon dans un essai de 2017 sur «Méduse dans l'art grec ancien» pour le Met note que «les images classiques et hellénistiques de Méduse sont plus humaines, mais elle conserve un sens de l'inconnu à travers des détails surnaturels spécifiques tels que des ailes et des serpents. Ces images ultérieures ont peut-être perdu la bouche béante, les dents pointues et la barbe, mais elles préservent la qualité la plus frappante de la Gorgone : le regard extérieur perçant et inébranlable.

Sur un fleuron de char de Rome du Ier au IIe siècle, Méduse est presque angélique avec ses cheveux flottants (et une paire de serpents furtivement à travers ses tresses), mais ses yeux pénétrants d'argent incrusté rappellent son regard pétrifiant. Sur les urnes funéraires ou les armures, elle était un talisman de protection, ces yeux éloignant symboliquement le mal. Même au 19ème siècle, alors que la romance se poursuivait, ses yeux ne se fermaient pas. Un moulage en plâtre du début des années 1800 de l'atelier d'Antonio Canova montre la préparation de la statue de marbre qui préside maintenant la Cour européenne de sculpture du Met. Dans ce document, un Persée nu présente fièrement la tête de la Gorgone morte dans une main, saisissant certains des cheveux qui se tordent avec quelques serpents subtils. Son expression est celle d'un chagrin surpris, mais inébranlable.

Studio d'Antonio Canova, « Head of Medusa » (Rome, 1806-07), moulage en plâtre avec tige de métal moderne (avec la permission du Metropolitan Museum of Art, Fletcher Fund, 1967)

Beauté fatale mêle avec audace des objets de tous les siècles dans l'exposition compacte. Alors que les mèches rouges sauvages de la lithographie d'Edvard Munch en 1902 « The Sin (Woman with Red Hair and Green Eyes) » ou « Lady Lilith » de Dante Gabriel Rossetti (1867) avec le sujet préraphaélite se brossant les longs cheveux, sont plus un s'étendent dans le récit, ils renforcent la représentation artistique actuelle des femmes comme dangereuses par leur apparence ou leur pouvoir. Dans son livre de 2017 Women & Power : un manifeste, la classique Mary Beard explore comment l'image de Méduse est utilisée pour embrocher les femmes dans la politique contemporaine, d'Angela Merkel à Hillary Clinton (avec Trump dans le rôle de Persée dans une manifestation populaire). « Il y a eu toutes sortes de tentatives féministes bien connues au cours des cinquante dernières années ou plus pour récupérer Medusa pour le pouvoir féminin ("Rire avec Medusa", comme le titre d'un récent recueil d'essais le dit presque) - sans parler du l'utilisation d'elle comme logo Versace - mais cela n'a pas fait une différence aveugle dans la façon dont elle a été utilisée dans les attaques contre les femmes politiques », écrit Beard.

Un paysage sonore de l'exposition composé par Austin Fisher (que vous pouvez également entendre sur le site du Met) est alternativement serein et cacophonique, reflétant la façon dont Medusa est tiré dans les deux sens entre ces formes apparemment opposées. Son histoire commence toujours dans ces objets lorsque son pouvoir est possédé, sa tête coupée et transformée en arme, qu'elle soit une demoiselle en détresse ou un monstre. Pour en revenir à ces premières images surprenantes de Méduse, avec ses dents nues et ses cheveux de serpent effrayants, il y a ici un récit sur la façon dont la transformer en quelque chose d'ornement bénin était un autre niveau de contrôle. Peu importe sa forme - ou sa décapitation - son regard n'est jamais détourné, regardant directement le spectateur comme une affirmation de son pouvoir horrible qui ne peut pas être complètement subverti par la beauté.

Vue d'installation de Beauté dangereuse : Méduse dans l'art classique au Metropolitan Museum of Art (photo de l'auteur pour Hyperallergic)

Vue d'installation de Beauté dangereuse : Méduse dans l'art classique au Metropolitan Museum of Art (photo de l'auteur pour Hyperallergic)

Vase entonnoir à deux anses en terre cuite avec tête de méduse (grec, sud de l'Italie, des Pouilles, Canosan, début de l'hellénisme, fin du IVe-début du IIIe siècle avant notre ère), terre cuite, hauteur : 30 3/4 pouces diamètre : 17 5/16 pouces (avec la permission du Metropolitan Museum of Art, Fonds Rogers, 1906)

Vue d'installation de Beauté dangereuse : Méduse dans l'art classique au Metropolitan Museum of Art (photo de l'auteur pour Hyperallergic)

Beauté dangereuse : Méduse dans l'art classique se poursuit jusqu'au 6 janvier 2019 au Metropolitan Museum of Art (1000 Fifth Avenue, Upper East Side, Manhattan).


Terre cuite grecque antique Elégante statuette de jeune prêtresse ou Koré archaïque (ex collection J. Altounian) - 15×4,3×3,9 cm

STATUETTE D'UN JEUNE PRÊTRE ou KORE archaïque Grèce
Elégante statuette en terre cuite représentant une jeune femme. Ses longs cheveux, en partie cachés par un voile qui lui couvre la tête, tombent sur ses épaules.
Elle est représentée de face, la tête droite. Elle a un visage sérieux, les yeux fixés doucement, les lèvres dans un sourire archaïque.
Elle porte un himation dont les larges plis descendent jusqu'aux pieds. Elle est ouverte sur la poitrine, dévoilant ses seins nus.
Dans la main gauche, elle tient une offrande (probablement une fleur ou un oiseau)
Les lignes sont fines, modelées en relief. Les détails sont parfaits.
Magna Graecia, Méditerranée occidentale, probablement Tarente
Hauteur 15 cm (17,3 avec socle) - Terre cuite beige orangé. En parfait état de conservation - aucune restauration

Informations sur l'origine :
Acquis le 30 octobre 2019 en France, auprès de : CM. Vente aux enchères, n° 102
Origine : Collection célèbre - Joseph Altounian (1890-1954) - de nombreuses oeuvres qui sont aujourd'hui dans les plus grands musées du monde sont passées entre ses mains.

Le vendeur peut prouver que le lot a été obtenu légalement, déclaration de provenance vue par Catawiki.
Information importante : Le vendeur garantit qu'il est autorisé à vendre/exporter cet article.
Le vendeur s'assurera de l'obtention des autorisations nécessaires, telle qu'une licence d'exportation (passeport pour objet culturel).
Le vendeur informera l'acheteur dans les meilleurs délais si cela prend plus de quelques jours.


En France, les débats sur le voile cachent une longue histoire

Une exposition prend du recul par rapport à l'obsession du pays pour la robe des femmes musulmanes pour examiner les nombreuses utilisations des couvre-chefs à travers l'histoire.

BOURG-EN-BRESSE, France — Il y a près de 500 ans, en 1518 ou 1519, l'artiste flamand Bernard van Orley s'est assis pour peindre un portrait de Marguerite d'Autriche, l'une des femmes les plus puissantes de l'Europe de la Renaissance. A 3 ans, elle est reine de France. À 27 ans, elle devient régente des Pays-Bas et Van Orley peint Margaret comme une politicienne solide et composée dans un portrait qui sera copié dans toute l'Europe.

Ses lèvres sont pincées. Ses mains sont posées, un chapelet entre deux doigts. Elle plisse les yeux, comme si elle analysait quelque chose. Sur sa tête, encadrant un visage bruni comme de la porcelaine, une guimpe blanche et souple. Il se cambre du sommet de sa tête et ferme ses oreilles et son cou, il exprime sa fidélité à son défunt mari et, qui plus est, sa prétention à son autorité politique. Toute la validité de sa règle réside dans ce voile. C'est la piété, et c'est le pouvoir.

Margaret est enterrée au Monastère de Brou, un mausolée somptueux qu'elle a fait construire ici à Bourg-en-Bresse, à environ 280 miles au sud-est de Paris. Et son exemple sert de déclencheur à une exposition pétillante et longiligne qui donne un très grand angle de vue sur l'une des controverses les plus durables et les plus décourageantes de la société française contemporaine.

L'émission "Voilées et dévoilées" prend du recul par rapport à l'obsession contemporaine de la France pour la tenue vestimentaire des femmes musulmanes pour examiner les nombreuses utilisations des couvre-chefs dans la vie publique et privée. Avec plus de 100 œuvres d'art, de l'Antiquité classique à nos jours, il révèle comment le voile peut servir à des fins contrastées et parfois contradictoires, que ce soit pour faire le deuil ou séduire, pour protéger son corps ou pour signifier ses allégeances.

Image

Le voile peut être religieux ou laïc, un marqueur de domination patriarcale ou de distinction individuelle. Surtout, l'émission insiste sur le fait que le voile n'est pas du tout une incursion « étrangère » en Europe, erreur commise à la fois par des écrivains sérieux comme Michel Houellebecq et par un ensemble hétéroclite de populistes, d'extrémistes et de racistes purs et simples. Il est omniprésent dans l'art et la littérature d'Europe et de la Méditerranée - et redécouvrir sa place dans l'Antiquité et dans les trois grandes religions occidentales pourrait enlever un peu de soufre à la fixation de ce pays sur les foulards.

Depuis 1905, la France est un pays officiellement laïc, et elle interdit à tous les employés publics de porter des signes extérieurs de religiosité. Mais le voile en particulier s'exerce surtout en France depuis 1989, lorsque trois enfants se sont vu interdire l'accès au collège après avoir refusé d'enlever leur hijab, déclenchant des mois de débat public angoissé, souvent hystérique.

C'était la première d'innombrables « affaires de voile », et au cours de ce siècle, les gouvernements français successifs ont adopté deux lois : une de 2004 qui interdit le voile (ainsi que la calotte et les grandes croix) dans les écoles, et une autre en 2010 interdisant le visage intégral revêtements tels que le niqab dans tous les espaces publics. Et les freakouts continuent d'affluer, plus récemment lors d'une vague de chaleur en France cette semaine. Après qu'un groupe de femmes a défié l'interdiction par la ville du maillot de bain à capuche "burkini" dans une piscine communautaire, un ministre de l'Égalité a déclaré que le burkini envoyait "un message politique qui dit:" Couvrez-vous. ""

Mais bien avant qu'il ne soit doctrinal, le voile était un vêtement pour laïcs. L'un des objets les plus anciens et les plus fragiles de « Voilé et dévoilé » est une statuette en terre cuite de Chypre réalisée à la fin du IVe siècle avant J. manteau drapé sur l'épaule et, dans ce cas, enroulé sur la tête contre le froid. Les voiles sont devenus une marque de distinction pour les femmes mariées grecques et romaines (les vierges ont été dévoilées) et pendant des siècles, les femmes, et même les hommes, les ont utilisés comme accessoire profane. Les femmes vénitiennes comme celle d'une gravure de 1775 de Giovanni David pourraient porter le zendale, un voile noir avec un couvre-visage à franges. Les femmes victoriennes portaient des voiles pour protéger leur visage du soleil, ce que ce spectacle évoque de manière anachronique à travers un séduisant portrait de Cate Blanchett dans le film "An Ideal Husband".

La Torah mentionne les voiles avec parcimonie, mais cette exposition comprend plusieurs peintures de Juifs aux cheveux couverts, parmi lesquelles une peinture de 1885 de l'orientaliste André Brouillet, représentant trois femmes séfarades avec des châles blancs transparents sur leurs robes colorées. Dans le Coran aussi, les références au voile sont rares.

Mais saint Paul, dans les épîtres, appelle explicitement les femmes - et les femmes seulement - à se couvrir la tête lorsqu'elles prient, de peur qu'elles ne tentent l'autre sexe. Ce spectacle accorde trop peu d'attention au christianisme médiéval et au début de la modernité, mais il suggère comment les femmes européennes pourraient utiliser le voile comme une expression de luxe ou un outil de séduction. Dans un portrait de 1802 de Marie-Denise Villers, une élève douée de Jacques-Louis David, une jeune femme coquette se couvre la tête d'un voile noir transparent à la pointe de la mode - mais elle est penchée, nouant sa chaussure, et sous elle voile se trouve décolleté substantiel.

Toute cette base historique sert bien le spectacle alors qu'il entre dans l'ère coloniale et vers l'islam. Les peintres (hommes) français, qui auraient appris les bases de la représentation de la draperie à l'académie, se sont particulièrement intéressés au voile lorsqu'ils ont échoué en Algérie, au Maroc ou au Levant. Il devenait vite lubrique et de nombreux hommes considéraient le voile comme une invitation à déshabiller son porteur. Une peinture grossière mais convaincante du peintre orientaliste Léopold de Moulignon, de 1860, représente une mendiante algérienne (vraisemblablement imaginée) agenouillée dans la rue, dessinant un voile gris-vert sur le côté de son visage - et portant son ample sein à son bébé. enfant.

« Veiled and Unveiled » est un spectacle studieux. C'est volontairement à basse température. Il marche particulièrement légèrement au 20e siècle et ne pousse pas trop fort les récents bouleversements nationalistes et religieux du monde islamique. It also ducks the sometimes vitriolic disagreements among feminists as to whether the veil can only be patriarchal, and whether Western beauty standards offer any true liberation.

A 1957 photograph by Marc Riboud, in which glamorous bareheaded Tunisians line up to kiss the independence leader Habib Bourguiba, reminds us of the millions of Muslim women who reject the veil. Shirin Neshat, who photographed Iranian women wearing shapeless black chadors against the backdrop of a fantastical garden, is the one saving grace amid more or less terrible contemporary art.

But pulling back like this can help offer some better tools than the blunt ones that shape French debates over the veil, especially the spurious opposition of secular universalism and pluralist tolerance. The question is not whether France, and Europe, should or should not tolerate a garment that stands apart from “European” values. The question is how to build a society that sees its local and colonial histories as coextensive, that ties its national story to lives and cultures rooted beyond its borders — and that can understand both the veil and the refusal to wear one as already French in their own ways.


Khotan Terracotta Woman with Long Hair - History

The Olmecs, a Negroid Afrikan race, were highly talented sculptors and artists who were best known for their cave paintings and carved colossal stonework. The Olmec was the first great ancient Mesoamerican civilization that flourished along Mexico's gulf coast region. Ancient Mexican wall paintings clearly depicted these "Negroid" rulers as Afrikan.

The Olmecs were Moors from the tribu Dogon in Mali, Afrika, who migrated over the Bering Strait as early as 100,000 years ago to America, which they called Utla in their Cushite language. This migration included Pygmies, Negroes and Black Australoids similar to the indigenous Black people of Australia, parts of Asia and India. The Mayans were the descendants of these Malian Moors who were referred to as Black Mexicans ou Quetzacoatl.

When the Dogons migrated to America, they also brought the rubber tree with them which is native only to Afrika. The Dogons utilized the sap from the rubber tree to make shoes and coats, being the first to introduce soles on shoes to the new world. The term Olmec means Rubber People.

The Olmecs established empires and cities predating the Inca, Aztecs and Mayans, and were also known as the Mound Builders, who constructed those great pyramids throughout South America, Peru, Canada, Alaska, and Georgia, spreading all over North America along the Mississippi River.

The step pyramids in the Americas closely match the step pyramids of the Egyptians. Également Double Crown which symbolizes the king’s rule over Upper and Lower Egypt with a cobra representing Lower Egypt and a vulture representing Upper Egypt (right) is also found in Olmec culture, symbolizing Northern and Southern America.

Furthermore, in Mexico, a type of paper made from a particular kind of wood pulp was discovered which scientists confirmed is only found in Egypt. Even the ceremonial dance of the Hopi Indians is identical to the Dogon’s Bado Dance of Afrika which have the same symboles et spirit names.

Various tribes like the Apache use the Crescent Moon symbol (left) which is the national emblem of Angola, Mauritania, Tanzania, Algeria, and the Sahara, all located on the continent of Afrika.

These Olmecs migrated to North America from Mexico as the Washitaw, Yammasee et le Ben-Isma-EL tribes, a collection of what is known as the Lenape, Wapanoag, and Nanticoke Indians, who later migrated to Indiana and Illinois identifying themselves as Moors, but the United States Government classified them as "Negroes" in order to strip them of their Indigenous rights.

The back of the Olmec head below (left) shows an Ethiopian braided hair style with an Afrikan man next to it wearing a similarly braided hair style. This provides a powerful statement in support of these heads being Afrikan in nature, but there are some detractors who argue that other cultures also braided their hair in a similar fashion, therefore, the hair braids do not prove any Afrikan ancestry since they could be from any other non-Afrikan group of people.

However, when these images are combined with the Olmec head displaying an afro hair cut next to the Afrikan men with identical afro hair styles, in conjunction with with the facial features and structure of the Afrikan woman next to the same statue below, there can be no denying that these heads are definitely Afrikan in nature.

On unearthing one of the monolith heads in the San Andreas area, a Mexican explorer who found the first Olmec head in 1862, Jose Maria Y Serrano, announced the finding in the 1869 publication of the Seminario Ilustrado.

“As a work of art, it is without exaggeration, a magnificent sculpture, but what most amazed me was that the type it represents is Ethiopian-Afrikan. I concluded that undoubtedly there had been Blacks – Negroids in this region, and from the very earliest ages of the world.”

Skeletons have also been unearthed in the valley of the Pecos River that flows through Texas and New Mexico and empties into the Rio Grande at the Gulf of Mexico.

Professor Hooton, an anthropologist, came to the conclusion that “The Pecos skull resembles most closely the cranial of Negro groups coming from Afrika, where Negroes commonly have some perceptible infusion of Hamitic blood.”

Le mot Ham translates as Black in Biblical Aramaic.

Later in 1939, Dr. Matthew Sterling led a joint team from the National Geographic Society into the Gulf of Mexico to supervise an extensive excavation project in Vera Cruz to unearth other monolith heads. After viewing the heads, Sterling came to the conclusion that "The features are bold and amazingly Negroid in character".

Other recent discoveries in the area of linguistics have shown that the Afro-Olmecs of Mexico also known as the Xi (pronounced she) people, were west Afrikans of the Mende indigenous group. Decoded inscriptions discovered on these ancient Olmec monuments in Mexico show that the language used in the script by the ancient Olmecs is identical to the language used by the ancient and modern Mende-speaking west Afrikans.

This Afrikan script, which came right out of the Egyptian language, was carved into some of the material associated with the stone head. These hieroglyphic writings were discovered in areas such as Davenport et Iowa, and were there long before any explorers or settlers arrived. This discovery points to the likely contact between the Afrikans and the Americas.

Migrating from West Afrika to Mexico and the Southern United States may have started about 5,000 B.C., a conclusion centered around the discovery of some native Afrikan cotton unearthed in North America.

Archeologist also concluded that the Olmecs who chiseled and carved these monoliths were outright masters of accurate portrayals, and did not arrive at the distinctive Negroid features accidentally, as it distinguishes them from the features and characteristics of every other race on earth.

Even the culture and religion practiced today by the Native Americans consist of the early non-theological beliefs of the Malian Moors of Afrika, the Olmecs, (Mound Builders) and the Aztecs of Mexico.

However, only a few Indian tribes today will admit to their Afrikan ancestry like the Hopis, Apache, Aztec, Zuni, Nez Perce, Miami, Blackfoot, Catawba, and Seminole, who have retained some knowledge of their Afrikan origins.

The terracotta head on the left with an Afrikan-style turban is Olmec, but notice the distinct characteristic keloid tattoos located below the lips and on the moustache. This is also found among the Afrikans.

The head on the right is Mayan, but notice the clear Negroid appearance of the face, broad, thick lips and flat nose, even though they were deliberately chiselled out to deface and conceal this fact.


NATIVE BLACK AMERICAN INDIANS

[1 st image]: Native American. [2 nd image]: Navajo Squaw - Red Stocking. [3 rd image:] Native Indians wearing Dread Locks

The picture on the left shows a present-day inhabitant of the Afro-Darienite Indians who are one hundred percent Black Afrikan, and located in the thick jungles of Panama and Colombia. They were among the many Blacks who lived in the Americas long before Columbus arrived, and were the builders of the so-called mysterious civilizations which some archaeologists pretend they do not know who the builders were. The picture on the right shows a Black Californian native with bow and arrow, at the time when California was ruled by a Black Amazon Queen with several female warriors bedecked in gold.
These pictures demonstrate that Blacks were in the south west and California which was named after a Black queen, and was once owned by Blacks long before the Spaniards arrived on those shores.

California is referred to as The Afrikan State by those who know its history, since it was the first state used as a base by ancient Afrikans from China, Melanesia, East Afrika and Nubia-Egypt during prehistoric times. One of the important migrations of Black Afrikans to Mexico included people who were described as dwarfs called Magicians, and were involved in religious shamanistic practices that are still common in West Afrika.

This statuette of an Oni holds shamanistic articles which are identical to those shown on stone carvings found in Colombia - South America, one of the ancient homelands of existing Black civilizations before the arrival of Columbus.

The Olmec Shamans recognized the Venus Complex which the Ono of West Afrika still continue to recognize even today, while the Dogons of Mali recognize the Sirius Star and the Bambara Systems.

The ancient Shamans of West Afrika also used the axe as a prop in the worship of the Thunder God Shango, which the present worshippers of Shango in the Caribbean, Brazil, the U.S., west Afrika, and the Yoruba settled areas still use today.
The Olmec Shamans revolutionized religion in Mexico around 800 B.C. à 600 av.


On the right is a terracotta head of an ancient Afrikan woman from Cameroon, West Afrika. Again notice the keloid tattoos above the eyebrows, a feature found among the Shilluk of East Afrika and on Olmec terracotta faces.

À gauche sommes Woodabi women from West Afrika. Un de "mysteries" concerning Woodabi costumes is that they look similar to those worn by the Maya Indians of Guatemala. Both the Maya of Guatemala and the Woodabi wear cloth padding on their heads arranged in identical fashion, and the patterns of weaves are also the same.

Below is an old 1525 map of the northern coast of South America, the Caribbean, and the south eastern region of the United States, showing Afrikans farming and hunting with the bow and arrow.


It shows what may be one of the pre-Columbian Afrikan communities of South America which the Spaniards would have come across during the time of Balboa and Peter Matyr. Furthermore, the descendants of these Afrikans, the Caracoles, Guanini, Black Caribs, Califunami et Choco, still live along the coastal regions of South America, Central America and sections of the Caribbean islands.

This map is one of the few publicized ones which shows Afrikans belonging to groups and occupying the Americas long before the arrival of Columbus. On the left corner of the map there is a community of Afrikan farmers and a hunter taking aim with a bow and arrow. The other three Afrikans each have hoes and are planting. Note the Latin words Mundus Novus at the bottom of the sketch which mean New World.

NATIVE BLACK AMERICAN INDIANS

[1 st image] : Powhatan Indians - Virginia. [2 nd image]: Cree men around 1898 [3 rd image]: Pimos Indians, Arizona around 1875

The land in Afrika has been surrendering the earliest remains of early man and his ancestors to the archaeologists and anthropologists, showing that the original man from which all other races sprang, originated in Afrika. Scholars have dug up skeletons as old as 175,000 years, whereas places in Europe, like Italy, England, Russia, and Scandinavia have not yielded any bones older than 20,000 years.

French anthropologist Gerald Massey claims that "the sole race that can be traced among the Aborigines all over the earth, or below it, is the Dark Race of Negrito type".

Note that there were TWO types of Indians The Negroid Phenotype Indian (left), a Crow Tribesman, and The Mongoloid Phenotype Indian (right), a Comanche Tribesman. The media only promoted the latter class, the one which is commonly seen in the movies and books, completely ignoring the Negroid grouping, thus creating the false impression that there was only one category of indians.

On the left is the fake European Montezuma the real Montezuma of the Aztec empire was not a white man but a Black Mexican Moor as represented in the image on the right.

The relationship between Native Americans and Afrikans stretched for thousands of years where Afrikans were engaged in business activities with the Native Americans long before Columbus got lost and ended up in the Caribbean believing that he had reached India. This was possible since at one stage the Afrikan and American continents were joined as seen by the similarity of tropical plants, animals and geographic traits, and the way they fit together like a piece of a puzzle. This may be the reason that several gods of Central America are portrayed as Black with Afrikoid features.


However, when the European came to Central and South America, they enslaved the Native Americans, killing millions of them through slavery, torture, murder and previously unknown diseases.
Columbus, on his return to Spain at the start of the Atlantic slave trade, crammed 1,200 Indian slaves into his three tiny ships, but after running short on labour supply due to the decimation of the Native population, the Europeans began to import Afrikan slaves in order to meet the growing labour demands of their ruthless conquest and plunder. Therefore, Native Americans and Black Afrikans share a common history of massive abuse, genocide and exploitation by the white man.
Native Americans were even called by the same derogatory terms applied to Black people, not to mention the two continents that were stolen from them. Here is an original painting of a Black Mohawk Indian in Moorish attire.


Khotan Terracotta Woman with Long Hair - History

Two Late Han to Jin Bows from Gansu and Khotan
Stephen Selby. Stephen Selby, 2002
(originally published as ATARN Newsletters in April and September 2002)

A desert tomb in Jiayuguan, Gansu, Western China, has recently yielded up a wooden, model bow. Bede Dwyer and Gr zer Csaba, who have both pre-viewed the pictures, consider that this bow is a full-scale model of a horn and sinew bow. The bow is in light-weight wood carved from two pieces. The two pieces unite at a splice at the grip. There is no sinew visible on it, and just a little birch bark remains adhering to the back of the bow.


The bow comes from near Jiayuguan in Gansu, China.
This map is reproduced from the Microsoft Encarta World Atlas in accordance with the
licence conditions concerning use in free flyers not sold in any form or context. Copyright reserved.


The two wooden components, with the grip splice to the right and the tips to the left

Above is a photograph of the two parts of the bow. The main working part of the limb forms a broad plate, bearing a painted design on each.


Side view of one of the siyahs. The tip is broken off about 5cm short of the end on the right.


Dragon painted on one of the limbs (belly side) in black, white, red and ochre.


'Phoenix' painted on one of the limbs (belly side) in black, white, red and ochre.

These dragon and phoenix designs should not be interpreted in terms of modern Chinese symbolism. This bow came from a group of graves dating from the Wei/Eastern Jin period, around 260CE. At that time, the dragon was the 'black dragon' -- a Daoist symbol of the East, while the bird was the 'red bird' -- denoting the South. Both symbols were derived from constellations, and continued in use from the Han dynasty. Such images would allow the soul of the deceased to rest in peace.

The black dragon and red bird from Eastern Jin tomb tiles.


Painted cicada design from the siyah of the bow

The cicada design on the limb also represents a hold-over from the Han Dynasty, representing a return to life for the deceased (because the cicada was thought to return to life in springtime from a dry, lifeless state in the winter.)


Floral design on the side of the grip splice.

The flower on the grip may be 'hai tang' (crab-apple) which rhymed with the word for 'high rank'.


The two splices placed together to form the core of the grip.


Basketwork pattern on the top of the siyah.


Two wood elements joined at the grip splice (vertical view).


Two wood elements joined at the grip splice (side view).


On the back of the main working parts of the limb, there are some remains of blackened birch-bark.


Scraping on the wooden surface of the bow.

Every wooden surface of the bow - whether painted or not - has been scraped transversely in two directions, apparently with the teeth of a saw. I cannot work out why that should be. When wood is scraped so that horn or sinew can be attached, it is usually just scraped in one direction - lengthwise.

The original bow would have had bone reinforcement at the grip, and indeed the pieces that I have shown in previous newsletters would fit well (although they undoubtedly come from different specimens.)


Bow-tip reinforcement (not found with this bow)


Bow grip reinforcement (not found with this bow)

I was interested to see how the bone plates I discussed in the March 2002 newsletter (above) would fit to this bow. The following photographs show how:


Possible placement of the bone reinforcement for the face of the grip.

Two years ago, I reported about the Niya bow that was discovered in 1999. Since the Niya find shared the same late horizon with the Gansu bow - the Eastern Jin period - I was interested to see how they might compare.

First, this is how I would reconstruct the Gansu bow:


Reconstruction of the Gansu bow unstrung, with bone string-nocks and grip-reinforcement.


Reconstruction of the Gansu bow string

And now my reconstruction of the Niya bow for comparison:


Reconstrution of the Niya bow (oblique, viewed from below)

Clearly, there are some striking similarities between the Gansu bow and the Niya bow. The design seems to have been very durable among the borderland people of China, and was probably closely related to the Song and Yuan bow designs in use in these pictures:

This is where the SVG file comes in. I have prepared a dimensioned drawing of the Gansu bow. If you have downloaded Adobe's SVG viewer plug-in, you can look at the bow and the plan in detail.

In fact, in the same group of graves as the one from which this bow came, there was a painted panel showing a scene of hunting with bows on horseback.


Scene of hunting with bows on horseback from the same date and location as the Gansu bow.


Click here for the detailed dimensioned plan of the Gansu bow in SVG file format.

I look forward to reading your views and ideas on ATARNet. Please start a new thread, 'Gansu Bow' under 'hardware'.

While in Xinjiang in May 2002, I was given the opportunity to study a number of bows preserved in Xinjiang's Institute of Archaeology and the museums at Urumqi and Turfan.

I had the chance to study three types of bow, all three of which had at one time or another been buried like mummies in the frozen, dry sands of the Xinjiang deserts. One of the bow groups I studied dated from the very end of the Han Dynasty or into the Wei-Jin period. That is, from around 250-350CE.

On studying this group of three, almost identical bows closely, a couple of points became immediately clear.

The second point is of some importance in itself. Despite reading frequently of 'model bows' placed in graves, the 'Gansu Bow' is only the second certain example I have come across. (The first is a Liao Dynasty wooden model of a bow and box quiver .)

My examination of the three bows in the Museums gave me a chance to glean some data and correct general wrong preconceptions about these bows. However, everything I examined was behind glass and I was not permitted to take photographs (although I could sketch to my heart's content.) Even my measurements had to be estimated (supplemented by earnest attempts by the archaeologists with me to recall actual measurements.) The golden opportunity came, however, when a junk dealer in Xinjiang sold me one half of an original bow (together with one half of the original string and six arrows) that had come from Khotan. So identical was this bow to those I had seen in the museums that I have no hesitation in saying that this 'Khotan bow' provides a basis for a detailed description of the 'Niya Bow' genus.

I have been generously helped by Mr W. F. Lai, Conservator of the Hong Kong Museum of History. He helped with the measurement process and has undertaken the X-ray photography. In a later newsletter, he will provide identification of the wood and other materials used in making the bow. At this point, I'll cut the cackle and let you see photographs of the bow, with my observations.


The half bow, oblique back view in natural lighting. The break is at the 'right-side' grip/limb junction.


Back view. Bone limb reinforcement present on one side only. A triangle of silk adheres to the top of the limb.


X-ray through back of the bow. (Composite of three.)


Close-up of the back of the limb. A piece of adhesive tape lies vertically across it. The top right edge may have been scorched.


Side view of the grip, limb and siyah with surface measurements.


X-ray through grip, limb and siyah


Detail of sinew reinforcement at limb/grip junction and bone plates reinforcing side and belly of grip.
(The profile of the back of the grip is formed with sinew.)


X-ray through the limb/grip junction.


X-ray through grip/limb transition


The belly of the limb, formed of five horn plates over wood. (Adhesive tape across the middle.) Lowest plate is missing.


X-ray through siyah/limb transition from back. Sinew (see picture below) hides additional bone reinforcements .


Detail of siyah/limb transition with sinew reinforcement.


X-ray through siyah/limb transition from side shows up an extension of horn along the belly of the siyah.


The bow viewed from the tip looking towards the grip


Looking from the grip to the siyah


The bone reinforcement to the tip/siyah. I surmise that the extent of the wooden core was originally the same as the bone reinforcement.


This photograph provides clues to the construction of the grip/limb transition.


Cotton thread tied at measured intervals, with contour gauge readings from the back (and belly at D, E.)


X-ray through grip from the back shows splice of limb/grip and interstitial wood insert in the grip.


What remains of the original string.


The loop seems to have been formed like a modern bow string and then wrapped in the skin of a small, furry animal.


Six original self wooden arrows. But the points have all been snapped off before burial.

Length(cm) Max. diameter(cm) Min. Diameter(cm)
80.4 0.995 0.770
74.4 0.910 0.610
60.6 0.910 0.605
76.8 0.910 0.605
75.8 0.910 0.605
61.0 0.895 0.715
78.4 0.905 0.710


Self-wood bulbous nock. Painted, but no sign of reinforcement or inserts.


Here, I use computer magic to repair the bow and supply dimensions. This exercise assumes symmetry around two axes.


More computer magic: ready to shoot!

Archaeological and historical background of the Khotan bows.

A bow of identical design to the one I have just described was excavated at Niya on 11 October 1995. A coffin containing four male mummies and two bows was exhumed unopened and then examined in relatively ideal laboratory conditions in Urumqi in the following months. The description of the contents of the coffin from grave #4 at cemetery #95 at Niya was published in "Xinjiang Wenwu" ('Xinjiang Cultural Relics') Issue No. 2 of 1999, p. 27. There is some further comment in Wang Binghua (with Victor H. Mair), "The Ancient Corpses of Xinjiang", Xinjiang People's Press, 2002. ISBN 7-228-05161-0. Further background information (in Chinese) and illustrations is provided in Liu Wei: "Chinese Civilization in a New Light" Vol. 4. Commercial Press, Hong Kong, 2001. ISBN 962-07-5307-0.

The Niya site corresponds geographically to the location of a culture which occupied the Niya area throughout the Eastern Han and Western Jin periods, around 200-350CE. Situated in the remote desert, Niya was once irrigated by the Niya river, fed by the melting snows of the Kunlun Mountains.

In Chinese literature, the people occupying that region in those times were known as the 'Jingjue' (精絕). The 'Official History of the Han: Record of the Western Regions' (漢書西域傳) records that the Jingjue were one of 36 large and small vassal states in the West of the Empire. 480 households with a total population of over 3,000 people were recorded. Their armed forces amounted to 500 men. The Han government posted four officials there for administrative purposes. An invasion of the region by the Tuguhun in the fifth century caused economic disruption. Water supply to the Niya river was cut of and the desert encroached. (Archaeological surveys by Aurel Stein in the 19th Century and surveys by Chinese and Japanese archaeologists since the 1950s suggest, however, that the area was abandoned over a rather short period, with many valuable items left scattered.) By the time that the Tang monk-explorer Xuanzhang passed the site in the 7th Century, it was already a ruin.

The mummified remains from Cemetery #95 generally display non-Chinese racial characteristics, with light brown or blond hair and high, aquiline noses. Men were around 1.65 meters tall. They lived in a prosperous community which enjoyed the best luxury products from both East and West. Foods preserved in graves show that their diet was mainly mutton, grains and dried fruits (in fact, much the same as present-d ay inhabitants of the region.) Particularly striking (partly because their spectacular state of preservation) are the embroidered cloths in silk and wool that the mummies are buried in. The people were literate. In common with other cultures in the region at that time, they kept civil records in the Kharoşţh-ī -Prakrit script, that originated in Northern India.

Several of the deceased at Niya had died violently. Males were buried together with grave goods which in most cases included a bow, bow-case, quiver and arrows. Bows were clearly standard, emblematic burial items for males. Most of the bows were composite bows such as the one described here but simple wood self bows about 1.5m long were also found. Arrows were self wood barreled and either had blunt wooden points, or else had had metal arrowheads removed before burial. Women were buried with make-up kits and items related to sewing and weaving. Where coffins were placed above previous burials, the previous burials were sometimes burned.

Coffin #4 from cemetery #95 also contained a piece of brocade with a vivid design of mounted archers using bows that were consistent with the design of the bow described here. Another mummy discovered nearby had a brocade bracer on his arm, embroidered with the Chinese text "Five stars appear in the East: the Central States will benefit and the Southern Qiang will be punished." This brocade may be a gift from the Chinese court to minority tribes who helped the Chinese to suppress incursions from the Southern Qiang (Tibetans.)


A piece of brocade with a vivid design of mounted archers using bows consistent with the design of the bow described here.
(B
ased on an illustration in Xinjiang Wenwu" ('Xinjiang Cultural Relics') Issue No. 2 of 1999.)
You may copy and make non-commercial use of this drawing.

Feeling a sense of d ja-vu? Open 'The Traditional Bowyer's Bible', Vol. 3 at page 82. Look at Tim Baker's suggestion for a theoretical design for maximized performance of a composite bow. Someone got around to trying out his design. 1,700 years ago.

In this bow design, the working limbs amount to little more than spring-leaf hinges. From the X-rays, we can see that the bow needed careful reinforcement at the edges of regions where the working sections and non-working sections are spliced. We also see that the central horn plate of the belly extends half-way up the siyah. As far as can be ascertained, the wooden core consists of two pieces of wood, each carved in one piece from the tip to the grip, with a short interstitial piece of wood between them.

While Tim Baker anticipates the short, rectangular working limb, he does not anticipate the spoon-shaped hollowing of the limbs (which is corroborated by the Gansu bow.) Without actually constructing this bow, it is difficult to understand the purpose of such a feature. Personally, I could imagine the hollow-profile limb giving rises to enormous stresses at the edges. What happened in reality?

One element of the design helps to deal with a problem that we observed in the area where these bows were made: there is little prospect of obtaining long sections of good, consistent horn and the principal woods are light and lack hardness and sappiness. The short working limb permits the use of short plates of horn. The addition of slivers of bone (horse or camel) as reinforcement allows construction of very light but strong non-working sections. I would go as far as to say that this bow is principally constructed of bone, horn and sinew: the role of the wood core in the construction is limited to a scaffolding to facilitate the assembly of the other materials.

For a further interactive discussion of this bow, please look for the new discussion topic on ATARNet.


Scylla and Charybdis

Bartholomeus Spranger's 1581 painting of Glaucus and Scylla (Public domain via Wikimedia Commons)

As Homer’s Odysseus and his men attempt to sail back home to Ithaca, they must pass through a narrow, perilous channel fraught with danger on both sides. Scylla—a six-headed, twelve-legged creature with necks that extend to horrible lengths and wolf-like heads that snatch and eat unsuspecting sailors—resides in a clifftop cave. On the other side of the strait, the ocean monster Charybdis rages and threatens to drown the entire ship.

This pair of monsters, Scylla and Charybdis, interested Zimmerman because “they’re represented as things that Odysseus just has to get past,” she says. “So they become part of le sien heroic story. But surely that’s not their only purpose? Or at least, it doesn’t have to be their only purpose.”

Homer described Scylla as a monster with few human characteristics. But in Ovid’s retelling, written about 700 years later, Circe, in a jealous fit of rage, turns Scylla’s legs into a writhing mass of barking dogs. As Zimmerman points out in Women and Other Monsters, what makes Scylla horrifying in this version of the story is “the contrast between her beautiful face and her monstrous nethers”—a metaphor, she argues, for the disgust and fear with which male-dominated societies regard women’s bodies when they behave in unruly ways.

As for Charybdis, the second-century B.C. Greek historian Polybius first suggested that the monster might have corresponded to a geographic reality—a whirlpool that threatened actual sailors along the Strait of Messina. Dans le Odyssée, the Greek hero barely escapes her clutches by clinging to the splintered remains of his ship.

“[V]oraciousness is [Charybdis’] weapon and her gift,” Zimmerman writes, proposing a new dynamic of the story. “What strength the unapologetically hungry monster-heroine could have: enough to swallow a man.”


Khotan Terracotta Woman with Long Hair - History


Ancient Rome, c. 1st-2nd century AD. Fantastic bronze statuette of a Torch-Bearer. Depicted seated, chin in his right hand, elbow resting on knee. He holds a long torch in his left hand, the flame extending over his shoulder. Very rare! H: 6 cm (2 3/8"), nice olive-green patina. Mounted on custom base. ex-Bob Brand and Liz Werthan collection, Philadelphia, PA. #AR2660: $650 SOLD
Ancient Rome, c. 2nd-4th Century AD. A nice Roman bronze applique in the form of the bust of a man. Possibly depicting the emperor Galerius (305-311 AD), wearing laurel wreath, his features well-detailed. 1 3/4" (4.5 cm). Likely once graced a chariot or piece of important furniture. Intact, nice olive-green patina. Ex Los Angeles private collection. #AR2790: $399

To make a purchase, or for more information, CLICK HERE


Ancient Rome. 2nd - 3rd Century AD. Very large bronze bust of a woman of Power and Nobility. Her hair is tied back in classic style of the time, she wears robes with delicate folds. Amazing piece with great detail and beautiful olive-green patina. 74 mm (nearly 3") tall. ex-Los Angeles, CA private collection. $1050. SOLD

Roman Egypt, c. 1st- 3rd Century AD. Large Romano-Egyptian terracotta head of a woman, with large diadem and ears pierced for earrings. H: 2 7/8" (7.5cm). With removable base. Ex Philadelphia, PA private collection. A large and attractive display piece! Very impressive in person. #AR2663: $375 SOLD
Ancient Rome, c. 1st - 3rd Century AD. Charming and quite large Roman terracotta head of a youth. With a slight smile, his hair styled in wild curls framing his face and extending down onto his shoulders. H: 3 1/4 (8.2 cm). Mounted on removable custom stone base. Ex Wiltshire, UK private collection. #AR2810: $450 SOLD
Ancient Roman, c. 2nd-3rd century AD. Great terracotta figural fragment depicting a musician playing a drum! Depicted in high relief, the drummer with good facial features and wearing a bracelet. H: 1 5/8" (4cm). Ex-David Liebert, The Time Machine, New York. #AR2857: $250 SOLD
Ancient Rome, c. 1st - 3rd Century AD. Great Roman terracotta togate torso from a statue. Depicts an individual standing, left arm at chest, right hand raising hem of toga. Nicely detailed with light earthen deposits throughout. H: 3 1/8" (8 cm). Mounted on antique wood base (total height 5 1/2" (14.3 cm). Ex collection of William Major Tedder. A nice display piece. #AR2735: $325 SOLD
Ancient Rome, 1st - 2nd Century AD. Nice large Roman marble head of a woman. Her features nicely carved and her hair styled back into a coiled plait at the nape of her neck. H: 3" (7.6 cm). Attractive surface deposits and mounted on black wood base. Ex collection of William Major Tedder. #AR2897: $750 SOLD
Emperor Nero!
Ancient Rome, c. 54-68 AD. Fantastic large terracotta head of the emperor Nero! Depicted in his youth, with his traditional hair style and excellent detailed features. Extremely rare depiction of a most famous emperor! Mounted on stand. H: 3 5/8" (9.2 cm) not including stand. Ex Royal Athena Galleries, New York. Incredible display-piece! #AR2432: $4500 SOLD

Hail Luo Ping! 18th Century Visionary Painter and Poet

Luo Ping, Freud’s Godfather, proclaims, ‘kill or be killed…’ but of course Luo Ping’s subtler than this, he only suggests what’s in his ‘unconscious’ mind. Sigmund Freud uncovered our powerful unconscious instincts about: life and death love and hate sex and survival. Luo Ping feels his.

/>

Contemporary Art



Commentaires:

  1. Nazir

    n'est absolument pas conforme à la phrase précédente

  2. Mac An Bharain

    C'est une information amusante

  3. Garmond

    remarquablement, très bonne information



Écrire un message